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LOU REED ecstasy
2000
"album tumultueux, fréquentant à nouveau le
cauchemar comme le sublime [...] disque largement ouvert
aux vents mauvais de l'aigreur et des turbulences
psychiques [...] harnaché de cuir clouté, Lou l'insatiable
écume le côté sauvage de Christopher Street (le ghetto
gay de New York) jusqu'aux eaux noires de l'Hudson [...]
champion de l'immonde, est aussi un crack du songwriting
céleste [...] des arrangements d'une somptuosité inédite
[...] entre extase et haut-le-coeur, on ressort sonné (les
inrockuptibles)
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"Ass - you says I'm an ass /
you better call 911 'cause I'm gonna hold you tight"
"But if we have to part I'll
have a new scar / right over my heart"
"I suppose we all could say
that nothing of it matters / but still it's sad to see everything
in tatters"
What do you call love / well I don't
call it family / and I don't call it lust"
I belong in a prison beneath your
legs / in a cabinet that I've built"
MA CHRONIQUE:
Dans cet album Lou Reed s'adresse
souvent à une personne- sans doute une femme, une maîtresse -
mais cette maîtresse , c'est aussi l'Amérique. Cette relation
est très tumultueuse et ambivalente: le dégoût et la
fascination en sont les moteurs. Les histoires d'amours
finissants et de conflits conjugaux côtoient des textes où il règle
ses comptes avec des valeurs telles que le couple et le mariage
et le mythe américain dont il exhibe les fantômes et les
monstres. Véritable bande-son de la vie urbaine -et plus spécifiquement
new yorkaise- où l'horizon est constitué de gratte-ciels et de
ponts confinant à la claustrophobie seulement aérée avec
parcimonie de cours intérieures discrètes et cachées (mais très
belles et apaisantes) cet album n'est pas totalement désespéré
et il n'est pas question d'évasion hors de ce monde dans lequel
finalement il se sent sinon bien, tout au moins chez lui. Il évoque
dans modern dance l'idée d'un départ mais il n'en est
pas sûr et sous entend qu'un environnement apparemment plus
serein n'engendrerait pas une sécurité intérieure. Son confort,
son foyer douillet, c'est la menace planant sur la grosse pomme,
la violence sourde de New York mais aussi la richesse humaine ,
la diversité qui va de paire. C'est cette aventure dans les
marges les plus extrêmes de l'humain qui nous permet de nous
confronter à nous-mêmes dans ce qu'on a de plus profond.
Sur une sorte de blues rapide qui évoque
les Rolling Stones, mais un blues sans complainte, un blues blasé,
Lou Reed manie l'ironie sur Paranoïa key of E avec
un texte ponctué de références à diverses pathologies
psychiatriques modernes et urbaines avec comme point de départ
une relation amoureuse , où la confiance fait défaut de toute
évidence , mais peut-être à juste titre. Mystic
child nous gratifie de guitares claustrophobiques
et malades pour un morceau nous assénant les visions
apocalyptiques d'un "mystic child" dérangé et qui
finit mal, comme il se doit. S'ensuit Mad ,
chanson très vache, délicieusement méchante et drôle à la
fois autour d'un adultère qu'un des protagonistes tente par tous
les moyens de justifier. Mais derrière ce vaudeville il y a
toute la tension accumulée et la haine refoulée qui explosent
ici. Cette tension est bien rendue par le gimmick de guitare qui
unifie cette chanson. Ecstasy dont les
arrangements sont particulièrement soignés (percussions,
violons longs mais discrets, quelques notes de guitare électrique
envoutantes et hypnotisantes) chante la rupture d'une relation
difficile mais très intense et le chant est une longue
complainte qui met en valeur un texte douloureux. La chanson
suivante , Modern dance, illustre les rêves
d'un New yorkais voulant fuir (quoiqu'il n'en est pas vraiment
certain: Maybe I should go and live in Amsterdam [...] Or
maybe I should get a farm in southern France [...] ) pour
retrouver les sentiments , les sensations du début de la
relation amoureuse mais aussi retrouver des choses simples. Tatters
est le slow de fin d'été sur la 42ème rue , un
slow un peu "gaisbourgien", empli d'une tristesse
infinie. Drôle de slow qui chante non pas la fin d'un amour
estival pour cause de rentrée , mais la fin d'un amour pour
causes de difficultés de vie commune et conjugale. On sent qu'ils
s'aiment encore mais la rupture est inévitable, irréversible. C'est
une sorte de version chantée des nouvelles de Raymond Carver car
on nous décrit la déliquescence d'un couple sans que les motifs
soient explicités ni même "explicitables" si ce n'est
par ceci : "But what you said still echoes in my head".
Après ces échecs sans raisons apparentes , il faut bien trouver
des raisons de se révolter et future farmers of
America part sur un rythme rapide souligné par des
guitares énervées et à vif. dans le texte, Lou Reed fait référence
à l'esclavage et , à travers cela , à toutes les formes d'exploitations
sur lesquelles l'Amérique a fondé sa gloire et son aura. Et
toute la rage a posteriori s'exprime dans la voix de Lou Reed qui
s'enroue comme jamais. Dans Turning time around
une nouvelle rencontre (peut-être?) est l'occasion d'une réflexion
sur l'amour , qu'il définit surtout par défaut. La vie urbaine,
riche d'expériences diverses, invite à l'introspection et la méditation,
la remise en cause des certitudes. La révélation se produit au
milieu de la chanson où enfin annoncée par un son de synthétiseur
(?), la mélodie jusqu'alors en pointillés se dessine à traits
continus. L'intro de White prism annonce
un rock touffu à guitares déjantées épaulées d'une batterie
sauvage et désordonnée avant que le couplet ne vienne tenter de
remettre un semblant d'ordre dans ce chaos mais la confusion
reste dominante .Le texte peut avoir également plusieurs niveaux
de lecture: la confusion des sentiments dans une relation
amoureuse mais aussi la confusion dans la perception de ce qui
est présenté partout comme le rêve américain et qui a attiré
et attire encore des émigrés. Mais le rêve est devenu
cauchemar et les valeurs d'accueil, d'opportunités et d'abondance,
d'égalité et de tolérance sont déformées, retournées et même
inversées. Rock minuet nous entraîne
dans le monde gay assez malsain et glauque, nourri de
traumatismes enfantins. cette danse innocente prend une dimension
inquiètante mais inversement le malsain est contrebalancé par l'innocence
originelle. Guitare acoustique et violoncelle enrobent Baton
Rouge du sucre des souvenirs évoqués ici pour
prendre la mesure du temps passé depuis l'époque insouciante
des amours naissants jusqu'à l'amertume et la désillusion
actuelle. Il termine sur des images de bonheur conjugale détournées
cruellement , images d'un bonheur qu'il raille et méprise sans
doute à cause de sa superficialité ou par simple rancoeur. Like
a possum dure 18 minutes ! 18 minutes de lourdes
guitares . Le poète Walt Whitman écrivait de longs poèmes
"maximalistes" pour chanter l'Amérique , pour lui
donner une âme qu'une histoire bien trop brève lui niait, pour
louer le rêve, le mythe américains. Il se voulait le chantre de
l'esprit de liberté, des espaces physiques et mentaux à conquérir
. Lou Reed , à travers ce long et difficile morceau se veut le
chantre du cauchemar américain .Rouge est
un instrumental en totale rupture avec tout ce qui précède par
son instrumentation( violoncelle et violon électrique), par sa
brièveté (1 minute) et par son côté apaisé et apaisant où
la sérénité a été retrouvée avant de lancer le dernier
titre très accrocheur et rock (un rock à guitares à la
Springsteen de l'album Born in the USA) avec solos
atmosphériques Big sky.Il y chante le
pouvoir de l'homme (pouvoir qui peut-être au service du mal
certes) mais ce pouvoir incommensurable est porteur d'espérance.
Cet hymne de stade euphorisant chante la grandeur de l'homme,
grandeur qui réside dans la dualité paradoxale constitutive. P.C.
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